用音乐召唤记忆 驶入心底的故乡

——评音乐剧《鼓浪之声》

●黄苏屿

有些剧目点燃掌声，有些剧目唤起归属，而《鼓浪之声》敲开的是文化底音，是被海风封存的琴声记忆。它描摹了一群被时代遗落的身影如何追逐一架钢琴，更以音符为缆、以情感为帆，驶入我们心底那个故乡的港湾。

这是一部以鼓浪屿为精神原型、以华侨命运为旋律线的作品，讲述的不仅是回家，还是回声——那架“弹过一次就永远记住的琴”，仿佛埋在我们每一个人的童年深处。

音乐成为角色性格 与命运的线索

《鼓浪之声》最令人惊叹的是音乐——这部剧从第一声琴键响起，就让观众清楚地知道：导演要做一部真正的音乐剧，而非带音乐的戏剧。

作曲安栋构建了一套有推进剧情功能的音乐系统：歌曲不是插曲，而是行动本身；唱段不是暂停叙述的表演，而是角色心灵的剖面。整部剧融合了抒情咏叹、念白宣叙、复调对唱、摇滚分裂、爵士舒缓、闽南童谣式重唱等多种形式，使剧情的节奏与情绪以“多声部”方式展开。音乐不仅服务剧情，同时建构剧情——与其说故事是沿着时间推进，不如说是被旋律一拍一拍牵引着向前生长。

值得称道的是，三位主要角色都有各自清晰的主题音型和声部特征，旋律设计与人物性格高度匹配。主角吴起铭的旋律常带有回旋音程与延宕节拍；仲禹的旋律充满断裂与反复，带有民谣摇滚式的勇气与倔强；姜宁的旋律则滑动在颤音与下行半音之间，像一个不断试图装饰失败的伤口。

这种“人物即旋律”的构造，使音乐不仅承担抒情功能，更成为角色性格与命运的线索。每一段旋律都像是人物自身写下的注脚，既勾勒出他们的性格轮廓，也悄然推动着情节发展。音乐一旦响起，便不只是情绪的伴奏，而是命运本身的发声。

剧场装置兼具 空间隐喻与技术奇观

视觉语言方面，《鼓浪之声》并未追随炫技叙事的潮流，而是以两层舞台结构、四块冰屏投影与滑轨系统精密联动，构筑出一套兼具空间隐喻与技术奇观的剧场装置。整场演出不堆叠冗余景物，而是让钢琴本身成为空间生成的轴心，让技术为诗性服务。

琴键意象贯穿始终：黑白键在灯光与投影中不断重组，如海浪般翻卷，形成一种动态的空间诗学。观众仿佛不再置身剧场，而是置身于琴弦之上的鼓浪屿：海风呼啸，波涛汹涌，天梯陡然升起，一切都像是从一架未响的琴里涌出。你未曾真正看见“鼓浪屿上的第一架钢琴”，却在整场演出中始终感受到它的重量。

与此同时，视觉系统中融入了强烈的“文化物象”——风雨、木箱、邮轮、菽庄花园、台北夜市，这些图像一再出现，交叠出的不仅是地域和时代，更是一种流离中凝结的身份轮廓。

在全剧众多高光段落中，“送王船”无疑是最具震撼力、最接近文化原始能量释放的一场。它不仅是传统仪式的戏剧化重现，更是整部剧情绪、主题与叙事的爆发点。舞台上红光弥漫，仿佛神明即将降临；鼓点起伏如潮，贯穿全场的祈福舞以一种近乎划一的古典对称姿态展开，每一次步伐都像在叩问记忆深处的沉重。伴随群舞响起的，是改编自闽南童谣的旋律——“天黑黑，欲落雨”，带着潮湿空气与压抑情绪缓缓渗入剧场。音乐一边织入传统音阶，一边融入现代和声结构，使整段仪式既熟悉又陌生，如同一场梦魇与乡愁交缠的集体幻觉。

借“送王船”之名，剧中人物悄然将在台湾保存多年的钢琴和思乡之物（怀表、信件、钢笔等）一一置入船中，以民间祭仪为掩护，将它们逆流送往大陆，送回鼓浪屿。这一反向的“文化转运”不仅是物件的归乡，更是一代游子将身份与记忆带回文化原乡的隐秘行动。当红光映照全场，民谣呼啸如潮，观众面对的不只是文化再现，而是文化如何穿透时间，重新找到身与心。

若有建议，笔者认为这场戏完全有条件作为全剧终极高潮的情绪收口——让最后的高潮落在仪式感与集体震撼之上，而非停留在个体命运的缝合。这将使整部剧的情绪释放更具延展性，也为观众留下一种“被送别”的久久回响。

“双轨共台” 表现人物命运

本剧在角色结构上的最大突破，是以童年与成年“双轨共台”的方式表现人物命运，不是简单的时空闪回，而是一种“同台异身”的并置叙事。每位主角都由儿童与成年人分别饰演，两组演员在同一场景中交替出现，甚至并肩而立、彼此凝视，形成一种极具张力的时空互文——记忆不是倒叙，而是实体；童年不是过去，而是并存。

在具体呈现中，三位角色的成长轨迹不是线性展开，而是以一种复调式布局进行情绪对照与命运映照。童年的纯粹、冲动、未竟的渴望，与成年后的沉默、自责和挫败，构成了互文关系。每一次双时空的交错，都是角色与“曾经的自己”对话，观众因此不再是回望者，而成为“过去与现在”两段命运的见证者，切身感受到成长过程中的断裂与难以弥补。

这一结构也强化了全剧“记忆即现实”的核心主题：鼓浪屿不只是一个可以回去的地理空间，更是一个在时间中不断被重建的内在图景。当人物在舞台上与自己的过去并肩而立时，剧场也就成了记忆本身的容器。

《鼓浪之声》讲述的从不是一架钢琴的去与留，也不只是几位故人重聚的悲欢，而是一段关于“我们是谁、我们从哪来”的追问。当童年记忆在旋律中重现，当民俗仪式撕裂现实的缝隙，当一座岛屿在舞台上被声音重新构筑，我们才真正意识到：寻根，并非回到地理上的故土，而是认出文化如何在我们体内持续发声。

贯穿全剧的《月光光》，既是吴起铭弹下的第一首曲，也是在万里之外重新响起童谣的动机。它不是一首歌，而是一条横跨时空的音阶线，把少年的乡音、成年人的身世，以及一代侨胞的精神地图串联成歌。这部作品用音乐召唤记忆，用仪式链接群体，用舞台回答认同。当最后的琴声停下，它留下的不是结局，而是一句未完的自问：你心里的那架琴，还会响起吗？

（文字来源：厦门日报）

扫一扫在手机上查看原推文